miércoles, 22 de noviembre de 2017

“Todo Cuanto Amé” de Siri Hustvedt, análisis AMUM

Resultado de imagen de siri hustvedt    La lectura en de esta obra ha polarizado a las asistentes a esta tertulia literaria celebrada como es habitual en el Marbella Club. A pesar de que la opinión general es que su estudio ha merecido la pena, aunque, para algunas participantes fue muy satisfactorio y para otras de difícil lectura. 

    La autora de esta obra, como bien dijo una socia, es una crítica de arte, una asidua de galerías y museos, aparte de una gran investigadora que ha realizado un trabajo de documentación fantástico sobre el Arte en General y sobre el Contemporáneo en particular. A la par, es una ensayista que se ha interesado en profundidad por los desórdenes mentales, de comportamiento y alimentarios. Esto dos temas están presentes durante toda la historia. Es por el dominio que la autora tiene de ellos que puede resultar denso, excesivo, innecesario, frenador del ritmo, o excitante, divulgativo y enzima para la curiosidad. Algunas compañeras confesaron no estar muy versadas en el arte contemporáneo e incluso no atraerles demasiado, o no estar en absoluto interesadas en el proceso de creación, estas fueron las que más sufrieron con las páginas y páginas de descripciones de exposiciones, de obras. Otras, las que han asistido desde hace años a los seminarios de arte de AMUM, las que son asiduas a CAC, el Pompidou, el Picasso, amén de otros centros de arte de todo el mundo, disfrutaron de un ecosistema donde se plantea una narración a través de los años de dos familias rodeadas de arte por todas partes.

    Fue objeto de debate la relación entre los miembros de las dos familias, su tensión sexual, resuelta en alguna ocasión, pero sobre todo, sin ser incompatible, el sentido de la amistad, del amor, de la fidelidad que no tiene que ver con el sexo, si no con cuidarse unos a otros, escucharse, estar siempre a disposición, en admirarse y reconocer los puntos fuertes.

    Las mujeres de la obra son muy diferentes en comportamiento, eso aportó una tertuliana, Violet que es capaz de cuidar y comprenderlo todo, Lucille que decide vivir su vida y parece no preocuparse por el rastro que deja, y finalmente Erica la mujer herida de un hombre herido que se niega a sumar el dolor al de su marido.

    Todas han distinguido que la obra tiene dos partes fácilmente identificables, la primera, la presentación de las vidas de un experto en arte y un artista que se conocen y vinculan sus vidas y las de sus familias. Esta parte es la más lenta, además está llena de comentarios sobre obras, autores, el arte contemporáneo y sus subterraneidades, es más dura, por tanto, para quien no esté interesado en el tema. Sin embargo, es una parte muy necesaria para la obra y muy enriquecedora desde el punto de vista de la educación permanente en temas artísticos, si no sabes, te despierta el interés y puedes acabar leyendo con la tablet al lado para buscar quien es cada artista o a qué obra se refiere la autora. La segunda parte. La que enganchó más a algunas lectoras,  tiene la intriga de un thriller, escenas misteriosas, con acción y que lleva al lector por el camino de los desórdenes conductuales y mentales en una suerte de angustia psicológica relacionadas con la maldad, la psicopatología, la herencia de patológica y los caracteres vulnerables que llevaron a las socias a discutir sobre el tipo de enfermedad que podría tener el hijo del artista y si era una cuestión conductual, aprendida,  heredada o del orden de las personas que no tiene sentimiento de culpa como los psicópatas. Hubo una socia  que aportó la posibilidad de que el chico fuese un ser inestable, con problemas de personalidad como un “borderline” y que fuese influido por un líder psicopático (Gilles) que además se dedica al arte contemporáneo extremo, el más sangriento, violento y provocador.

    En general a todas nos pareció un libro de peso, muy bien escrito, excelentemente documentado, con un vocabulario sencillo pero lleno de conceptos y reflexiones profundas. Hubo quien vio una sucesión de Eros y Tánatos, reflexiones sobre las relaciones amorosas y la muerte infalible y cotidiana.

    También fue interesante la aportación sobre la posible crítica a las críticas del mundo del arte. Centradas en el desconocimiento, en la confusión arte/belleza, y en el precio del arte, como si el artista no pudiera ser un buen artista y una persona de posibles o como si una obra de arte dejara de serlo porque entrara en el mercado del arte. Fue muy ilustrativo el ejemplo de la obra de Warhol, ya que por un lado se le critica la cantidad de obras en serie, “como churros” y por otro se le reconoce que esa fuera una de las cualidades del arte Pop.

Resultado de imagen de siri hustvedt todo cuanto amé    Otro de los temas sobre el que conseguimos debatir fue sobre el dolor de los Padres, el sufrimiento por los hijos que no han nacido, por los que han nacido, por los que han muerto y por los que no responden a expectativas. Hemos visto en la novela el dolor por no quedarse embarazada, el dolor por la pérdida de un hijo, el dolor por la conducta inapropiada de los hijos y también hemos visto que diferentes personas lo viven de diferente forma. Por el contrario, hubo quien el dolor lo centró en los hijos de padres de élites intelectuales a los que se les demanda una brillantez difícil y muy frustrante si no se consigue llegar a unos niveles comunes a sus seres queridos.

    El trabajo de descripción de los personajes nos pareció una genialidad, una socia se maravilló de la creación de los distintos protagonistas y cómo se van desarrollando a través de la historia, de una manera muy coherente y compacta, con un recorrido muy creativo y creíble.

    Tenemos varias tertulianas neoyorkinas y les resultó agradable visitar con esta lectura lugares de su ciudad. Se dijo que la obra es puro “New York” Los intereses por la sensibilidad artística, los desórdenes nerviosos, son cuestión habitual que en este estado no se esconden y se comentan con normalidad, no solo Woody Allen tiene necesidad de psicoterapeuta y clarinete.

    Se comentó que la autora es una mujer muy culta y perfeccionista, conocedora del lenguaje y de sus temas estrella, por eso este libro trata tantos asuntos y por eso puede parecer que intenta abarcar demasiado para una novela, no para todas las tertulianas, pero también es una opinión válida. Además Siril Hustvedt tiene una gran sensibilidad, es dueña de un gran rancho interior que le permite tratar con gran inteligencia emocional la muerte del niño y otros pasajes. Sin embargo, recordó, no a todas, a Elena Poniatowska en “La Piel del Cielo” donde la mexicana hace un despliegue sobre astronomía que puede llegar a resultar excesivo.

Resultado de imagen de siri hustvedt   Otro apartado mereció la traducción, a algunas nos pareció bastante acertada, pero para las que acostumbran a leer en inglés no, y claro, es que debe haber una diferencia de matices, pero a la mayoría nos pareció buena en comparación con otras.

    La novela es tan completa que tiene incluso detalles de gran importancia emocional que es espina que vertebra la historia, me refiero al cajón donde el experto en arte, mayor, medio ciego, gastado por la vida, va acariciando objetos que son símbolos de parte de su vida, de lo bueno, lo malo, lo que perdió, lo que ganó, lo que disfrutó, lo que penó, en un cajón…, de recuerdos, todo cuanto amó.

Resultado de imagen de siri hustvedt
    Finalmente, nos ha parecido que Violet tiene mucho de la autora, pinceladas autobiográficas en torno a sus achaques nerviosos y su interés por las conductas y patologías, en general el libro tiene mucho que ver con Siril, hay quien critica que el autor de un libro se vea al leerlo, pero sólo desde el conocimiento se puede construir una historia veraz. Y esta es una novela brillante, complicada, dura, oscura, densa, pedagógica, sensible, culta y veraz, que está dedicada a Paul Auster.

martes, 7 de noviembre de 2017

The American Dream

Cuando hace 50 años del derribo de Penn Station en Nueva York, María Testa nos trae esta preciosa foto. Nada menos que un testimonio de lo que fué y que tantos "NewYorkers" echan de menos.



El concierto que escucharemos a dos pianos tendrá la magia de Gershwin, quien a veces en su orquestación nos recuerda a Ravel. Bebió de fuentes tan ilustres como fueron Alban Berg, Stravinsky y Milhaud.

Después Leonard Bernstein, maestro entre maestros del Siglo XX americano. Cuya admiración por Copland es innegable.

Por si fuese poco John Adams, el casi minimalista con gran influencia de Philip Glass. Capaz de obras como: Doctor Atomic.


Realmente un recorrido por el Sueño Musical Americano del SigloXX.


A los teclados:Alborada Moreno de largo repertorio y habitual en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Ignacio Torner pianista solista internacional.

Habrá que darse prisa para conseguir entradas.
Texto:
Garbiñe Larrazabal

domingo, 5 de noviembre de 2017

Genn Gould:Más allá del Tiempo

En la Virginia el próximo 11 de noviembre un espléndido documental hará las delicias de todos los aficionados a la Música.

Ambiente otoñal entre amigos que comparten una misma afición.
Gracias María.



Nuestro Cine Forum de octubre

EL CIUDADANO ILUSTRE EN EL CINE FÓRUM DE AMUM DEL 27.10.2017 




El viernes pasado nos reunimos para ver una excelente película argentina (en coproducción con España), El ciudadano ilustre. Acreedora de numerosos premios, entre ellos el Goya a la mejor película hispanoamericana de 2016, la Copa Volpi al mejor actor para Óscar Martínez en el Festival de Venecia y la Espiga de Plata y mejor guión en la SEMINCI de Valladolid, este film contó con la dirección de Mariano Cohn y Gastón Duprat, quienes tuvieron también a su cargo la fotografía, siendo el guión de Andrés Duprat.
 
Directores de una trayectoria más que interesante, Cohn y Duprat han trabajado desde 1991 siempre juntos, desde sus épocas de estudiantes universitarios, empezando con obras de video arte y cine experimental para luego continuar con largometrajes de ficción como El artista, sobre el complejo y contradictorio mundo del arte contemporáneo, y El hombre de al lado, crítica al entorno académico.

Directores de sin duda un alto nivel intelectual nos cuentan en El ciudadano ilustre, con un estilo de costumbrismo surrealista, la historia de un ficticio premio Nobel argentino, Daniel Mantovani, y su regreso a Salas, un pequeño pueblo de las pampas, en el que ha nacido y al que no ha vuelto desde que era un joven con aspiraciones de escritor. En Europa, donde vive hace años, junto con la correspondencia que le llega a diario recibe una carta de la municipalidad de Salas en la que lo invitan a recibir el máximo reconocimiento del pueblo: la medalla de Ciudadano Ilustre.   Sorprendentemente , y a pesar de sus múltiples compromisos, Mantovani decide aceptar la propuesta.

Este viaje será un regreso triunfal, un recorrido al pasado en el que se reencontrará con viejos amigos, amores y paisajes de juventud, pero sobre todo será un viaje al corazón mismo de su literatura. Porque toda la escritura de Mantovani, quien desde que le otorgaron el Nobel cinco años atrás, no ha podido escribir nada, producir ninguna obra, está centrada en ese lugar, en Salas y en las cosas que allí ocurrieron.

Pero una vez en Salas el escritor constatará tanto las afinidades que aún lo unen a Salas como las insalvables diferencias que lo transformarán muy rápidamente en un elemento extraño y perturbador para la vida del pueblo.

Porque como sucede en muchos regresos de este tipo se produce la colisión entre dos mundos, en este caso el de la cultura y la erudición, el de las palabras pomposas y la condescendencia intelectual y el refinamineto cosmopolita, y el de los otros, ese pueblo chato o llano, que finalmente muestra todas las mezquindades imaginables.

Contada en cinco capítulos, con un humor por momentos desopilante, la película presenta muchos aspectos para la reflexión y el debate: la relación entre la celebridad y el pueblo llano, el regreso de una celebridad que después no llega a coincidir con lo que el pueblo ha imaginado que puede ser, los ajustes de cuentas, la relación amor/odio que o levanta una estatua o defenestra sin más,  el nacionalismo y chauvisnismo exacerbado, el conformismo de un pueblo que tal vez puede ser la metáfora de un conformismo nacional?

Según los directores ellos trataron de retratar a los personajes sin opinar y muchas veces generando escenarios incómodos, en los que no se está seguro de si da para reir, si están hablando de ti o del que tienes al lado y que plantean un juego de identificaciones, de asociaciones y cierta distancia. Cohn y Duprat tratan de ver como actúa y se comporta la gente a la que le va bien, gente que tiene que ver con un mundo del pensamiento más sofisticado que el de la mayoría, y ver cómo actúan cuando quedan puestos en una situación límite.

Por supuesto todo esto dio lugar a un más que interesante debate. En primer lugar la pregunta lógica: ¿por qué el protagonista, después de casi 40 años de ausencia, decide regresar a Salas, él que rechaza la sobreexposición e invitaciones de medio mundo? ¿Lo hizo para volver a sus orígenes, a su tierra, a sus afectos y amores de juventud? O ¿lo hizo para nutrirse, para reencontrarse con la escritura, después de cinco años de bloqueo literario?

¿Cómo es realmente Mantovani? ¿Un ser antipático, odioso y desagradable? ¿Es un vanidoso o un simple egoísta?  Mucho se señaló en el debate su falta de empatía hacia los demás, como en la escena tan dura del padre de un niño discapacitado a quien larga un extenso discurso de por qué no le ayudará a comprar una silla de ruedas, aunque en una escena posterior sí lo hará. ¿Era necesario ese desplante inicial?

Por su parte todos y cada uno de los personajes del pueblo, presentados en algunas escenas casi como estatuas u observadores/escrutadores, son una especie de arquetipo de los habitantes de una pequeña comunidad, que puede ser en la Argentina o en cualquier pueblo de España o de cualquier otro país. Universales, de alguna manera. Desde el admirador sincero del escritor al que se finge admirador para sacarle algo, el alcalde populista, oportunista  y prevaricador, al antiguo amor, o el amigo que se quedó para siempre en el pueblo o la joven supuesta admiradora que contempla a Mantovani como una plataforma de huida de la mediocridad del pueblo. Y en algunos de esos personajes no falta tampoco, como puntualizaron algunos asistentes, el machismo y la pertenencia de la mujer.

Hay sí dos personas que muestran afecto desinteresado hacia Mantovani: el chofer del taxi, un ser simple pero bondadoso y comprensivo, que le ayuda a escapar del hostigamiento en el acto de entrega de premios de pintura, y el empleado de la recepción del hotel, que admira al escritor, y le ayuda en tratar de mantener su visita de incógnito. Frente a este chico Mantovani muestra también su aspecto más humano y afectuoso.

Sin duda, dentro de este costumbrismo surrealista de la película hay también un fuerte cuestionamiento al concepto de cultura, esa cultura oficial que lleva a trampas e ignominias, frente a la cultura profunda y a la libertad en la creación, siendo en este punto paradigmático el discurso de Mantovani en la entrega de los premios del certamen de arte.

Otros dos puntos señalados en el debate fueron la entrada y salida de Mantovani del pueblo y las imágenes del flamenco muerto. Mantovani entra a Salas de manera triunfal (y absurda)  en un camión  de bomberos, junto a la reina de belleza del pueblo: aclamado como el héroe, la celebridad, pero sale sin embargo llevado en una camioneta, tarde en la noche, solo y defenestrado, casi como dirigiéndose al cadalso, cual María Antonieta hacia la guillotina. Aunque no está dicha por su parte la última palabra…porque tal vez ha encontrado nuevamente inspiración?

En una de las escenas iniciales de El ciudadano ilustre aparece la imagen de un flamenco muerto, imagen que se repite al final casi de la película, cuando se presenta en Barcelona el último libro de Mantovani,  que se titula precisamente El ciudadano ilustre. ¿Representan esa imagen la creatividad muerta, y luego de la publicación de su novela, también basada en Salas y lo que allí le ocurrió a su regreso, la muerte de su inspiración???

Muchas preguntas, algunas respuestas, excelente película y estupendo debate.

Nuestro agradecimiento al Dr. Carlos de Sola, director del Instituto de Enfermedades Digestivas y del Hospital Banús, que tan generosamente nos presta sus instalaciones



 Texto : Cristina Malena


jueves, 2 de noviembre de 2017

"Dunas de Marbella" de Rini Antonissen, Exposición en el Hotel el Fuerte

EXPOSICIÓN DE ARTE HOTEL FUERTE MARBELLA
 DEL 05/11/2017 AL 31/12/2017:

CUANDO EL ARTE AYUDA A LA NATURALEZA
 Artículo de Isabel Luque García (consejera de Fuerte Group y responsable de área cultural de Fundación Fuerte)

Imágenes integradas 2    No somos del todo conscientes de la importancia que tiene cuidar de nuestro entorno, ni de la importancia no solo de preservarlo para las futuras generaciones sino también porque no decirlo con el objetivo de disfrutarlo nosotros mismos y todo aquel que venga a disfrutar de nuestras playas.

    Es por ello que se necesitan personas con especial sensibilidad para dar una llamada de atención, en este caso por parte la Asociación Produnas que nace en el año 2004 , no dudaron  ni un momento que si nadie reparaba en la necesidad de protección de las dunas del litoral de Marbella allí estaban ellos para hacerlo.

    Desde su asociación no solo han llevado una acción de protección en vallado y señalización, sino que también han sido capaces de implicar a escolares de colegios de Marbella para acciones en el terreno de vallado y protección de las dunas.

    Son pequeñas acciones que tienen grandes impactos, porque parten de ciudadanos de a pie que  tocan el corazón de otras personas como el del   ARTISTA Rini  Antonissen que desde hace 25 años, comparte residencia entre Marbella y Amsterdam donde también trabaja y tiene Galerías de Arte.  Rini cursó estudios de escultura en el Royal Art Academy en s´Hertogenbosch (NL) así como de pintura en Nueva York con el Profesor Joshua Neustein en 1985. Ha realizado numerosas pinturas y esculturas que se encuentran en colecciones privadas en Holanda, USA: New York-San Diego-Boston, Alemania, Italia, España, Dubai y Hong Kong.

Imágenes integradas 1    Rini comprende desde su sensibilidad de artista la importancia de la protección del medio ambiente y realiza el importante esfuerzo de donar toda su obra artística expuesta en el Hotel Fuerte Marbella a este proyecto de la preservación de las dunas del litoral de Marbella a través de lo que se recaude de la venta de su obra que se expondrá en los salones del Hotel Fuerte Marbella abierto al público desde el día 5 de noviembre al 31 de diciembre 2017.


    Desde Fundacion Fuerte nos pareció un proyecto redondo en cuanto a que une arte y ecología. Cuando Susanne Stamm, su alma mater nos vino a presentar el proyecto; vimos algo digno de ser financiado y difundido entre el pueblo de Marbella y orientado a todas aquellas personas sensibilizadas a acciones para proteger nuestro entorno que supone apostar también por la riqueza y embellecimiento de nuestras playas y porque no decirlo una atracción para todas aquellas personas europeas que desean un entorno protegido y cuidado.

miércoles, 1 de noviembre de 2017

Programación Día Internacional para la Eliminación de la Violencia hacia las Mujeres

Desde la Delegación de Igualdad y Diversidad del Excmo. Ayuntamiento de Marbella

AMUM participa activamente el 13 de diciembre



jueves, 26 de octubre de 2017

“Van Halen el Oficial Aventurero” de Pío Baroja, análisis AMUM

Resultado de imagen de van halen el oficial aventurero
    La Asociación de Mujeres Universitarias ha elegido este mes esta obra anómala del escritor donostiarra para la lectura y posterior debate en su tertulia literaria mensual.

    Una veintena de mujeres debatimos con gran diversidad de opiniones sobre el interés por el tema, el valor documental, el estilo de Baroja, la idoneidad de formato, la personalidad del personaje, la época retratada, el poder, la religión, la masonería, el patriotismo y la objetividad.

    En primer lugar, aunque casi todas hubiéramos preferido leer otra obra del autor, no conseguimos llegar a un consenso radical de si nos gustaba o si había merecido la pena, pues, aunque no es una lectura apasionante para muchas, sí es interesante en muchos aspectos. Además, como algunas socias comentaron, hay pasajes que también tienen emoción, como el del encarcelamiento, tortura por parte de la Inquisición, tejemanejes de la masonería para rescatarlo, la imprescindible participación de una mujer valiente y finalmente la incipiente historia de amor que pudiera haber sido y no fue.

Resultado de imagen de van halen el oficial aventurero    Este y otros episodios de la vida del oficial Van Halen se desenvuelven en una etapa histórica y social que queda retratada. La mayoría de convocadas coincidimos en que era una etapa convulsa, atrasada, clerical, corrupta pero interesante de la Historia de España, la invasión francesa de primeros del siglo XIX nos proporcionó episodios que tienen que ver con la capitulación del ejército a las tropas napoleónicas, los juramentos a José Bonaparte, el regreso de la monarquía española con Fernando VII que dejó de ser deseado por sus hechos, la infiltración del sentido de la “Libertad, Igualdad y Fraternidad” entre muchos españoles cultos, lo que lleva a algunos autores actuales a no ver tanto triunfo en la Guerra de la Independencia, el desarrollo de la masonería, calada hasta los huesos de modernidad y contrariada profundamente por los desmanes de la Camarilla del Rey.

Resultado de imagen de van halen el oficial aventurero    En esta España y en una Europa que tampoco le andaba a la zaga, Juan Van Halen desarrolla una carrera intensa pero desigual. Alguna socia lo calificó como mercenario, otras como hombre de acción, otras que tenía sólo la patria de la masonería. La verdad es que el personaje no queda idealizado en el libro, es típico de Baroja. Aunque, con los mimbres que Don Pío nos da, tejemos un héroe barojiano con claros y sombras, no es un patriota aunque a veces sí, no es un hombre de familia, ni una persona fácil, a tenor con las rupturas que sufre en las empresas que acomete, eso sí, es valiente, arrojado, fuerte, emprendedor, aventurero, inteligente y al parecer, según algunas frases del biógrafo, un donjuán, de cuya capacidad no encontramos episodio alguno en este libro, porque como se comentó el personaje no está totalmente definido.

Resultado de imagen de van halen el oficial aventurero    El libro tiene un gran valor documental, son numerosas las notas al margen, alusiones a la autobiografía del propio Van Halen y a otros documentos oficiales. Por este motivo generamos un diálogo sobre la objetividad de la historia y finalmente una socia dijo que no era total, puesto que el autor había elegido los pasajes que deseaba contar y al no contar el total, la verdad queda sesgada. Otra socia hizo una pregunta muy interesante a este respecto —¿Pensáis que la masonería sale mal parada en la lectura? —Esta pregunta respalda la anterior opinión, de una manera solapada, Pío Baroja habla de la organización de la Masonería, de la entereza de sus hombres ante la tortura, de la camaradería para ayudar en la fuga y encontrar apoyos en todos los países y del amor por España al querer desmantelar los manejos de la Camarilla del Rey, todo ello basado en las palabras del propio Van Halen en las citas a su autobiografía. Pero, por otra parte, no conseguimos saber a través de la obra qué ideales tenía esta organización y qué actividades realizaba además de tener un sistema de comunicación muy secreto e ingenioso. Nos quedamos con la idea de que el autor subyace en todas sus creaciones y es que ya sabemos que Baroja tenía cierta fascinación por el anarquismo, la masonería y creía que España era un país de curas y moscas, muy propio del desencanto de la Generación del 98.

    En líneas generales, a todas nos gustó el estilo directo, apresurado, antirretórico, libre de adjetivación superficial y dado a construir escenarios con varias pinceladas y sin acritud, ni idealización ni oscurantismo en la descripción de la Inquisición, por ejemplo. La anomalía en la bibliografía de la que hablábamos al principio se debe a que no es una novela, ni siquiera una biografía con pretensiones de tal, más parece, y así lo dijeron varias socias, una tesis doctoral, con un personaje que puede interesar o no, un tema y época convulso, y que de todo se dan ciertos apuntes, de los que en verdad se consigue extraer un gran escenario. Sin embargo, a la mayoría de las tertulianas nos hubiera gustado una narración novelada, el personaje tiene enjundia y el marco no puede ser más sugerente. De esta manera ha quedado un Van Halen muy desdibujado, según las participantes, como si Baroja no se hubiera identificado con él,  la narración queda interrumpida por tantas notas y fechas que dan valor al documento como una tesina de matrícula de Honor pero no engancha y puede llegar a aburrir.

    Finalmente, estuvimos de acuerdo en que la imagen de la mujer andaluza que hace el autor en el episodio del Puerto de Santa María, ligera de casco, en confusión con la mujer desenfadada y alegre, nos ha desagradado, porque somos mujeres, andaluzas de origen o destino y porque creemos que Baroja no nos conoció bien, todo el que se queda lo suficiente se enamora de Andalucía.

    

martes, 24 de octubre de 2017

Las mujeres artistas y el surrealismo, exposición en el Museo Picasso de Málaga


     La ciudad de Málaga acoge a las Mujeres del Movimiento Surrealista con el título: “Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo”, una colección de obras de distintas autoras que podrían ser más y que la misma muestra tiende a ello. Son más, más de las que están y todas han sido silenciadas, u olvidadas, o ignoradas, o apartadas, o, en fin, cualquier tropelía social que se intenta reparar con esta nueva exposición temporal del Museo Picasso para memoria colectiva y disfrute de los amantes del arte. 

    El surrealismo es un movimiento artístico de principios del siglo XX que surgió en Francia y tuvo como centro ideológico al poeta Andrée Breton que afirmó que “El inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas.

    Los artistas surrealistas exploraron el inconsciente mediante los sueños, automatismos y trances inducidos, sus trabajos no necesariamente expresaron sus experiencias personales. Sin embargo, en el caso de las mujeres surrealistas, muchas de las obras son claramente autorreferenciales, contamos con numeroso retratos, experiencias personales, dolores del cuerpo materno, sueños con toque femenino, interpretaciones metafísicas con la descendencia, la bis reproductora como protagonista, soledades inquietas, vacíos, pesadillas y lucha contra demonios propios y ajenos.
    La muestra temporal del Museo Picasso Málaga nos permite descubrir a dieciocho creadoras mujeres que desarrollaron sus carreras a partir de los años veinte, en plena efervescencia del Manifiesto de Andrée Breton que clamaba por la libertad del inconsciente, de los sueños de los sentimientos pero que tuvo ramarazos de pensamiento-único en su trato a Jean Cocteau y no digamos con el rol que le tenía destinado a las féminas, de las que pretendía que fuesen únicamente musas de los artistas varones.

    A pesar de lo que se esperaba de estas mujeres, además de ser miembros estimulantes intelectualmente del grupo surrealista, fueron artistas de gran profundidad, de técnica considerable y creatividad notable. El justo reconocimiento internacional que se viene despertando en los últimos tiempos nos ofrece la posibilidad de apreciar las obras de Eileen Agar, Claude Cahun, Leonora Carrington, Germaine Dulac, Leonor Fini, Valentine Hugo, Frida Kahlo, Dora Maar, Maruja Mallo, Lee Miller, Nadja, Meret Oppenheim, Kay Sage, Ángeles Santos, Dorothea Tanning, Toyen, Remedios Varo y Unica Zürn como grupo abierto que nos sitúa ante la injusticia histórica del silencio sobre la excelencia de las mujeres en muchos campos y nos hace cuestionarnos sobre cuántas obras no se habrán perdido, cuántos descubrimientos no habrán sido usurpados y cuántas mujeres insignes no habremos olvidado. José Jiménez, catedrático de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid afirma que la elección de autoras de esta exposición “no es una opción separatista, sino una tarea de recuperación”.

    Pero, por mucho que esta muestra ponga en evidencia la ignominia contra la mitad de la población de este planeta, no podemos quedarnos en el sentimiento lastimero pues la oportunidad es de gran importancia para el aprecio de grandes artistas y grandes obras.     

    Toda la colección es muy interesante y hay algunas obras de gran envergadura, muy libres, exploradoras del ser, con un lenguaje muy adecuado para expresar los adentros, sus sueños, dolores y decepciones, miedos, esperanzas, fantasías, transferencias del inconsciente y no tanto como en el caso de Frida Kahlo, cuya realidad era tan literalmente dolorosa. El individualismo y la personalidad de estas artistas se transmite mientras se construye, a través de las más de cien obras de arte entre pinturas, dibujos, esculturas, collages, fotografías y películas reunidas para la ocasión. 

    Por destacar, aunque no es el objetivo de la exposición, pero no me puedo resistir, yo destacaría la obra de Leonora Carrington a la que llegué a amar gracias a la novela de Elena Poniatowska y Leonor Fini, de gran fuerza e inquietud, la Metafísica de Kay Sage que no tiene nada que envidiar a Giorgio de Chirico, las mujeres de cabezas sobredimensionadas de Ángeles Santos, las performances de la “mitad ángel, mitad marisco” como Dalí denominó a Maruja Mallo y la fotografía equívoca de Germaine Dulac.

 
   Por poner alguna pega, el Museo Picasso ha realizado mejores montajes, en este hay una saturación de obras, algunas con muy pequeñas y detallistas, solo se pueden apreciar si te acercas, pero no te puedes acercar porque está junto a otra obra que necesita más de un metro de protección. Por otra parte, las cartelas son minúsculas y colocadas de manera que llevan al equívoco o requieren de mucha concentración para comprender a qué obra se refieren.


    En fin, no se la pierdan, es un grupo muy selecto y numeroso, nos permite vislumbrar muchas formas de entender el surrealismo, desde distintas técnicas, desde distintos relatos, desde distintas personas, personas mujer, también personas-mujer.

Fotografía de José A.Correa

Galería